De l'auteur : recueil : « Pénétration dans les secrets du théâtre. Sur les résultats du projet « Théâtre - Éducation » de la saison théâtrale 2007-2008. – N. Novgorod : imprimerie Papyrus LLC, 2008. – 52 p. Les méthodes artistiques sont très diverses, mais impliquent toujours l'utilisation du langage de l'expression visuelle et la participation humaine directe à la créativité. On sait que dans nos écoles, l'équilibre entre le développement de l'intelligence et le développement de la pensée holistique, de l'intuition et de l'imagination est perturbé. Cette prépondérance vers le développement de la composante intellectuelle de l'individu se poursuit dans les établissements d'enseignement secondaire spécialisé et supérieur. Pour créer une personnalité harmonieuse, il est nécessaire que les deux facteurs se développent de manière égale et se soutiennent mutuellement. Les méthodes artistiques présentent un avantage évident lorsqu’on travaille avec des enfants, des adolescents, des jeunes hommes et femmes : elles n’ont pratiquement aucune restriction sur les contre-indications d’utilisation, sont un moyen de libre expression et de connaissance de soi et mobilisent le potentiel créatif d’une personne. Le travail utilisant des méthodes artistiques peut faire appel à la musique, au théâtre, au mouvement, à la danse, aux arts visuels et à d’autres formes d’activité créatrice humaine. Leur utilisation augmente considérablement la possibilité d'intégrer les composantes sensorielles, motrices et cognitives chez une personne, ainsi que sa capacité à avoir une attitude artistique envers sa vie [6]. Bien sûr, les écoles proposent des cours d’art, de musique et d’éducation physique, mais leur nombre est minime. Dans les établissements d'enseignement secondaire spécialisé et supérieur, le nombre de matières visant à développer une pensée holistique dépend du profil de l'établissement d'enseignement. Pour un bon développement de l'activité esthétique, c'est-à-dire capacité personnelle à rencontrer et interagir avec le monde extérieur et à en recevoir quelque chose de nouveau, il faut ne pas se limiter à des activités éducatives, mais utiliser des ressources supplémentaires. Par exemple, visiter des clubs créatifs, des sections sportives, ainsi que des expositions d'art, des concerts de musique et des représentations théâtrales. Dans cet article, nous nous concentrerons sur l'influence du théâtre sur le développement de l'activité esthétique des enfants et des jeunes. Les théâtres jouent un grand rôle dans l'éducation. Golovleva Nina Ivanovna, ancienne directrice du Théâtre pour jeunes spectateurs de Nijni Novgorod, dans une interview avec le magazine « Theatre Binoculars » (juin 2002), a prononcé une phrase brève mais toujours d'actualité : « Les enfants doivent être élevés avec des exemples positifs, ils devrait voir la bonté »[5]. Ostrogorsky dans «Lettres sur l'éducation esthétique» a souligné que: «... il est nécessaire de cultiver simultanément les sentiments et l'imagination, car ce sont eux qui déterminent en fin de compte le caractère d'une personne.» L'influence positive du théâtre sur les jeunes et, en particulier, les bienfaits des spectacles pédagogiques, dont « les arts du spectacle ne sont pas le but, mais un moyen et un but pédagogique : langues classiques, littérature classique », note A.N. Ostrovski. L.N. Tolstoï croyait que le théâtre pouvait devenir « un instrument pour répandre la lumière entre les gens » si l’on refait, collectionnait et traduisait « des pièces qui auraient un contenu profond et éternel » [9]. Si la télévision a instantanément rejeté tout ce qui constituait la base de la culture russe, dont elle était à juste titre fière, les théâtres ne sont pas pressés de faire une révolution. Ils préfèrent la voie évolutive. «Les représentations présentées dans les théâtres ne bouleversent pas les valeurs qui constituent la base des idées sur le monde et ne bouleversent pas les idées traditionnelles sur la moralité. Ils remplissent le but noble de l'art : éveiller une personne à une vie créative, au beau, au meilleur de ce qui était et est, dit le célèbre dramaturge de Saint-Pétersbourg L. Razumovskaya, l'art et le théâtre sont conçus pour élever une personne de le niveau d'un animal à des mondes, des sentiments et des pensées plus brillants" [5]. Selon le Grand Dictionnaire Explicatif, "l'art est la reproduction créative de la réalité dans des images artistiques, créativesactivité artistique, ainsi qu’une branche de l’activité artistique avec son système inhérent de techniques et de méthodes pour créer des valeurs matérielles et spirituelles. L'art maîtrise esthétiquement la réalité et dans son évaluation de la réalité procède d'un certain idéal esthétique. Faina Ranevskaya, lorsqu'on lui a demandé ce qu'est l'art, a répondu : « C'est ce qui vient « de Dieu ». Il doit contenir la grande idée de l’amour pour les gens » [8]. Pourquoi l’art a-t-il une influence si puissante sur le développement de l’activité esthétique humaine ? L'art a un langage de communication particulier : c'est une sorte de message symbolique de l'auteur d'une œuvre d'art au monde, et le genre de l'œuvre d'art, et son style, et le langage de la métaphore et de l'expression corporelle. Le message de l'art est une forme concentrée de message de l'artiste, réalisateur, compositeur au spectateur [6]. L’art se concentre sur la sphère de la subjectivité humaine : les expériences, les objets du monde intérieur d’une personne, les métaphores de ce qui lui arrive et bien plus encore. Fiodor Chaliapine, décrivant ses premières impressions de visite au théâtre, a déclaré : « … J'ai été particulièrement séduit par les mots qu'ils (les acteurs) ont prononcés. Et pas les mots eux-mêmes... mais ce qui m'a séduit, ce sont les phrases passionnantes et extraordinaires que ces gens composaient à partir de mots. Les phrases reflétaient une sorte de pensée humaine ; les notes de nouveaux sentiments humains y semblaient étonnantes. Ce qui était le plus merveilleux, c'était que des mots familiers dégageaient un arôme inconnu »[10]. Cette description montre clairement que grâce au ressenti, c'est-à-dire En s'immergeant dans les sensations et les émotions, une personne peut découvrir quelque chose de nouveau et d'excitant dans ce qui lui semble familier et ordinaire. L'art possède des caractéristiques spatio-temporelles qui diffèrent de la vie ordinaire. Par exemple, lors d'une représentation, le temps se condense : en quelques heures, l'expérience de grandes périodes de la vie peut être vécue différemment. Or le silence de plusieurs minutes peut s’étendre ou être perçu comme très long. Bien entendu, tout cela existe dans l’expérience de la vie ordinaire, mais seul l’art s’en approche de manière ciblée. L’espace de représentation n’est pas non plus égal à la salle où se déroule l’action théâtrale. Selon le décor, le déroulement de l'action théâtrale elle-même, le jeu des acteurs, cet espace peut être « une grange exiguë dans laquelle il est impossible de respirer », ou « une maison avec de nombreuses pièces », ou encore une monde entier [4]. La créativité est la position holistique d’une personne par rapport à la réalité extérieure, une position de transformation. La polarité de la créativité est l'adaptation (correspondance) à cette réalité. « Deux alternatives à la vie – dans la créativité et en dehors de celle-ci – s'opposent catégoriquement », écrit D.V. Winnicott (2002), « Le lieu où se situe l'expérience culturelle est l'espace des possibilités entre l'individu et l'environnement. L’expérience culturelle commence avec l’existence créatrice, qui se manifeste d’abord par le jeu » [7]. L'art lui-même nous donne le choix là où la vie ne le fait pas, c'est-à-dire qu'il traite d'un large éventail de possibilités qui peuvent être utilisées, de sentiments qui peuvent être vécus et d'événements qui deviendront personnels. Il recrée la réalité environnante encore et à chaque fois d'une manière différente [6]. L'homme d'art agit en obéissant à des sensations vives, en jouant, puis il accepte son rêve et utilise sa conscience critique : il crée spontanément une forme objective de réalité. Il en va de même pour les enfants : ce sont leurs sensations vives qui permettent à l'énergie de circuler spontanément. et créer de charmantes inventions. Ainsi, lorsqu’on travaille avec des jeunes, il est très important de restaurer leur capacité de jeu. S'appuyer sur le jeu théâtral peut être très utile à cet égard. D.V. Winnicott écrit que « le jeu est universel, et c'est un signe de santé, le jeu facilite la croissance, implique les relations de groupe et peut devenir une forme de communication » [2]. Le culturologue néerlandais J. Heisigi écrit que « le jeu est un universel culturel et historique. Le jeu est toujours spontané, c'est une activité désintéressée, agréable en soi.lui-même et indépendant de tout objectif. Toute créativité culturelle est un jeu. » Le jeu est toujours une expérience créative. Il ne se situe pas dans le monde intérieur, mais pas non plus dans le monde extérieur : le lieu du jeu est dans l’espace entre les hommes. Le philosophe allemand E. Fink considère le jeu comme le moyen le plus important de réaliser l'activité humaine, qui n'est pas caractéristique du monde animal. L'art théâtral permet à une personne d'exprimer ses différentes facettes et de réaliser ses caractéristiques, si importantes pour sa propre identité, par exemple à l'adolescence. Lorsque nous voyageons à travers le monde intérieur, découvrant notre intégrité, nous découvrons notre connexion avec le monde extérieur et comment nous pouvons nous manifester dans ce monde. Le jeu crée un sentiment de liberté et est le contraire de « connaître les bonnes réponses » aux questions. E. Fink écrit que « dans le jeu, dont la base est la fantaisie, une personne réalise un potentiel spirituel élevé » [7]. Dans l'enfance, le jeu permet tout d'abord d'anticiper la réalité de la vie et ses exigences. Deuxièmement, les enfants qui jouent se perdent lorsqu'ils se dissolvent dans le jeu, ce qui leur permet d'acquérir simultanément l'expérience de l'intimité avec une autre personne (que je joue) et l'expérience de l'isolement (je joue) [2]. F. Chaliapine : « Sous l'influence de Yashka, la pensée m'est venue avec persistance : c'est bien de ne plus être moi-même pendant un moment !.. J'ai joué à Yashka et j'ai senti pendant une minute que je n'étais pas moi. Et c'était doux" [10]. Le jeu lui-même est un moyen de relier la réalité interne et externe ; dans le jeu, la frontière entre ces réalités devient perméable. Pour un enfant qui joue, chaque détail est saturé de créativité, il considère chaque chose comme un découvreur, l’espace de jeu est rempli du produit de l’imagination créatrice de l’enfant [3]. À notre avis, toute créativité peut être « contagieuse ». La créativité n’est pas quelque chose d’abouti ou d’achevé, mais quelque chose qui est en mouvement et en développement constant. La vitesse de ce mouvement peut être différente pour chacun, et les voies de développement sont également différentes, mais la créativité est toujours une action passionnante, une vie qui subit des changements étape par étape. La perception qu’a une personne, par exemple, d’une production théâtrale à travers la question : « Comment cela se produit-il ? Au lieu de la question : « Qu’est-ce que c’est ? », cela permet de construire une « dimension artistique » dans sa vie. « Le théâtre doit être passionnant », déclare Vladimir Koulagin, directeur du Théâtre dramatique académique de Nijni Novgorod [5]. Les sentiments de colère, de joie, de chagrin, de peur, d’extase, de plaisir et de douleur représentent un tunnel par lequel nous pouvons passer pour atteindre notre intégrité et notre croissance personnelle. Nos sentiments et nos émotions sont une puissante source d’énergie. Cette énergie peut être dirigée vers une activité créatrice, où elle est réalisée et transformée. Une telle attitude consciemment esthétique envers la vie (avec un véritable enracinement dans celle-ci) permet le développement de la capacité de jeu, qui peut être encore renforcée de la même manière [4]. Le spectateur ne fait qu'observer et sympathiser. Comment le spectateur se sent-il dans l’action du spectacle ou dans la vie du personnage ? Dès que l'acteur apparaît devant le spectateur à l'image de son « héros » sur scène, le spectateur ressentira certainement son personnage si l'acteur lui-même le ressentait profondément. Une image scénique est vraie et bonne dans la mesure où elle convainc le public. L'imagination donne au rôle sa vie et son contenu [1]. « L’imagination de l’acteur doit entrer en contact avec l’imagination de l’auteur et saisir la note essentielle de l’existence plastique du personnage », écrit F. Chaliapine. Comment l’acteur lui-même se sent-il dans le personnage ? Peu importe à quel point un personnage est dessiné par l'auteur, il restera toujours visuellement vague. L’artiste des mots le plus habile ne peut pas dessiner un visage de manière plastique et objective, transmettre le son d’une voix ou décrire la silhouette ou la démarche d’une personne. « Que fait le plus grand artiste Léon Tolstoï, sinon laisser dix artistes talentueux essayer de dessiner un portrait d'Anna Karénine avec un crayon ou un pinceau sur la base des notes de L.N. Tolstoï, - dix portraits sortiront, complètement différents les uns des autres, bien quechacun d'eux sera à certains égards proche de l'image synthétique de Karénine. Mais si une actrice entreprend de jouer Anna Karénine, il faut que l’image extérieure d’Anna sur scène ne contredise en rien l’impression générale que nous avons eue d’elle dans le roman de Tolstoï », a écrit F. Chaliapine. Chaque nouveau rôle d'un acteur est une inconnue, un mystère qu'il faut résoudre. Chaliapine, dans son livre autobiographique, poursuit sur la correspondance entre l'apparence de l'acteur et l'image du personnage : « Il est nécessaire que l'image extérieure s'harmonise avec autant de traits de caractère que possible et rende ces traits plus perceptibles et convaincants pour le spectateur. Plus l'image extérieure de l'actrice se confond avec l'image dessinée dans le roman, plus elle sera parfaite. ... par apparence, j'entends non seulement le maquillage du visage, la couleur des cheveux, mais aussi la manière d'être du personnage : marcher, écouter, parler, rire, pleurer. Comment y parvenir ? C'est là qu'entre en jeu l'imagination, l'un des outils les plus importants de la créativité artistique. Imaginer signifie voir soudainement. Voyez bien, intelligemment, honnêtement. L'image extérieure dans son ensemble, puis dans les détails caractéristiques. Pour ce faire, il faut connaître bien et de manière fiable la nature du personnage, ses principales propriétés » [10]. La chose la plus importante est l’expérience d’une conscience constante par une personne de ses expériences réelles. C'est le développement de l'imagination et de l'intuition qui devient un pont entre le monde intérieur et extérieur d'une personne, un catalyseur d'une communication créative et saine. Tout le monde a une capacité innée à être créatif. Résoudre le problème du développement de l'activité esthétique de la jeunesse à travers l'art théâtral a actuellement ses obstacles, et les metteurs en scène de théâtre les voient et les résolvent différemment. « Aujourd'hui, un fervent adversaire du théâtre est un appartement confortable doté d'un système vidéo et stéréo, d'un home cinéma. Un appartement d’où il est incroyablement difficile de faire sortir une personne », explique S.E. Lerman, directeur en chef du Théâtre de la Comédie, Artiste du peuple de Russie. - Aujourd'hui, les exigences du théâtre ont changé : il n'est pas nécessaire d'éduquer le public, il faut l'impressionner. Divertir. Attirer. Mais le théâtre n’échoue pas toujours dans sa relation avec le spectateur ; parfois, le spectateur échoue également. Quand il ne peut pas comprendre et apprécier ce qu’il voit sur scène. Nous passons donc tous constamment l’examen. Directeur en chef du Théâtre dramatique académique d'État de Nijni Novgorod L.S. Belyavsky, dans une interview avec le magazine « Theatre Binoculars », lorsqu'on lui demande quel genre est aujourd'hui demandé par les téléspectateurs, répond : « Il existe deux types de téléspectateurs : le large et le théâtral. Par exemple, dans la pièce « Trois camarades » (mise en scène par A. Getman d'après le roman d'E.M. Remarque), le spectateur du théâtre perçoit les échos d'« une époque de désespoir dans laquelle l'amour est encore possible », et le grand public suit le histoire intéressante de trois amis. Le directeur du Théâtre dramatique académique d'État de Nijni Novgorod, V. Kulagin, réfléchit dans son interview : « C'est dommage que le temps des idoles soit révolu. Dans notre théâtre, nous essayons de créer une situation telle que les jeunes acteurs qui font leurs premiers pas sur scène soient aimés de leurs pairs et du public. Pour que le public se laisse emporter par ce que font les acteurs et aille au théâtre voir ces « leurs » artistes. Étonnamment, nous pouvons le faire » [5]. En conclusion de cet article, je voudrais revenir sur la nécessité de développer la pensée holistique, l’intuition et l’imagination pour harmoniser la personnalité d’une personne. Il est important que les méthodes artistiques utilisées dans le travail avec les jeunes aident la jeune génération à se découvrir et les « infectent » également avec une approche créative de leur propre vie. Développer la capacité d'avoir une attitude artistique envers votre vie la rend plus diversifiée, multiforme et apporte beaucoup de plaisir. Au cours du processus créatif, certaines formes d’art en stimulent et en nourrissent d’autres, nous conduisant au sens intérieur et à l’essence qui constituent l’énergie centrale de nos vies. En développant une activité esthétique, une personne devient une personnalité holistique, trouvant son propre « je », vivant une vie créative et constamment renouvelée, remplie de divers sentiments et événements..253-280.